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L’opéra classique

Don Giovanni, opéra de Mozart, dessin de A. de Parys, Paris, Théâtre de l’Opéra Comique, 1896. Source : Gallica-BnF — Don Giovanni, opéra de Mozart, dessin de A. de Parys, Paris, Théâtre de l’Opéra Comique, 1896. Gallica-BnF

L’opéra à l’aube du classicisme

Né en Italie au début du XVII^e siècle, l’opéra est un genre qui ne cesse d'évoluer. Depuis L’Orfeo (1607) de Monteverdi (l’un des premiers opéras qui nous soient parvenus), qui cherche à renouer avec l’antique tragédie grecque à travers un texte intelligible alternativement énoncé par des solistes et des chœurs, l’opéra se décline progressivement sous plusieurs formes tandis qu’il est disséminé un peu partout en Europe. Au fil du siècle, l’évolution du genre tend vers une distinction entre les œuvres de caractère sérieux et celles de caractère comique. Au XVIII^e siècle, on rencontre ainsi deux formes majeures de drame lyrique : l’opera seria et l’opera buffa.

Opera seria

Né vers 1690 d’une réforme initiée par l’Accademia dell’Arcadia prônant plus de vraisemblance dans les livrets, l’opera seria est brillamment illustré par les compositeurs de l’époque baroque tels que Haendel. À l’époque classique, il commence à décliner mais continue néanmoins d’être pratiqué jusqu’au XIX^e siècle dans toute l’Europe (à l’exception de la France, longtemps fidèle à la tragédie en musique élaborée par Lully). C’est une œuvre noble et sérieuse qui obéit à quelques règles :

les livrets puisés dans l’histoire antique mettent en exergue la vertu et la morale ;
le valeureux héros évolue dans un cadre musical précis : une ouverture suivie de trois actes divisés en scènes ;
musicalement la partie chantée est répartie entre les récitatifs (une déclamation ponctuée par une basse continue – souvent le clavecin – ou l’orchestre) et les arias accompagnées par l’orchestre, qui mettent la voix en valeur par des prouesses techniques (bel canto).

La virtuosité vocale met en avant une nouvelle catégorie de chanteurs particulièrement appréciée en Italie : les castrats.

Opera buffa

Dans le même temps et dans un tout autre registre, Naples a donné naissance à un opéra « drôle », l’opera buffa. Inspiré de la commedia dell’arte, il met en scène, dans des situations comiques, des personnages empruntés au milieu populaire ou la petite bourgeoisie. Le livret peut cependant contenir certaines parties plus sérieuses, visant à atténuer l’aspect caricatural de l’œuvre. Le thème de prédilection : l’amour contrarié. Loin d’être des héros, les personnages sont vaniteux, arrogants, et usent de la ruse pour arriver à leurs fins. À l’image de l’opera seria auquel il fait pendant, l’opera buffa gagne progressivement toute l’Europe, mais contrairement au genre sérieux, il rencontre davantage la faveur du public à l’époque classique, et culmine dans les œuvres de Mozart. En deux ou trois actes, il comporte de nombreux ensembles ainsi que des finales, à la fin de chaque acte, où tous les personnages se retrouvent sur scène. Musicalement, il fait la part belle aux chansons, ariettes et cavatines aux mélodies simples et naturelles, plutôt qu’au bel canto alambiqué.

L’expression opera buffa est en réalité peu utilisée par les compositeurs de l’époque, et l’on rencontre souvent les termes dramma giocoso, dramma comico, commedia per musica ou encore burlesca pour désigner ce type d’œuvre. Il participera à la naissance de nouveaux genres dans certains pays (l’opéra-comique en France, le singspiel en Allemagne).

Il Ciabattino ingentilito, opera buffa de Valentino Fioravanti, illustration tirée de la partition manuscrite. Source : Gallica-BnF / Domaine public — Il Ciabattino ingentilito, opera buffa de Valentino Fioravanti, illustration tirée de la partition manuscrite. Gallica-BnF

Tragédie lyrique

En France, les compositeurs se démarquent du modèle italien à travers le genre de la tragédie lyrique. Définie par Jean-Baptiste Lully et son librettiste Philippe Quinault (avec Cadmus et Hermione en 1673), elle est encore très appréciée jusqu’au milieu du XVIII^e siècle (notamment avec les œuvres de Rameau), bien que de nouveaux genres lui fassent concurrence (opéra-comique, opéra-ballet...). La tragédie lyrique s’inspire de la tragédie classique illustrée par Corneille et Racine : sur des sujets empruntés à la mythologie ou l’histoire, les cinq actes sont précédés d’une ouverture et d’un prologue faisant l’éloge du roi. Le genre mêle musique (récitatifs déclamés suivant le rythme de la parole, airs, ensembles, chœurs) et danse (ballets).

Gluck et la réforme de l’opéra : vers plus de naturel

Christoph Willibald Gluck, par E. Desmaisons. Photo : Jean-Marc Anglès. Source : Musée de la Musique - Cité de la Musique - Philharmonie de Paris — Portrait de Christoph Willibald Gluck, par E. Desmaisons. Musée de la Musique - Philharmonie de Paris, photo de Jean-Marc Anglès

Alors que l’opéra de caractère sérieux s’épanouit dans les prouesses vocales et des machineries parfois excessives, le compositeur allemand Christoph Willibald von Gluck veut revenir à davantage de simplicité, aussi bien dans l’opera seria italien que dans la tragédie lyrique française. Comme il l’explique dans la préface de son opéra Alceste (publiée en 1769), sa réforme consiste à ramener la musique à son véritable rôle, qui est de servir la poésie par son expression et de suivre le déroulement de l’intrigue sans interrompre l’action ni l’étouffer sous une prolifération d’ornements inutiles. Ce que l’on appelle aujourd’hui la réforme gluckiste commence déjà avec Orfeo ed Euridice créé à Vienne en 1762. C’en est fini de la prééminence de l’aria da capoForme privilégiée des airs dans l’opera seria, l’aria da capo est en trois parties ABA’. La partie A’ est une reprise variée de A, dans laquelle le chanteur peut briller dans l’art de l’ornementation improvisée et dans les cadences virtuoses. et de la virtuosité gratuite, place à une virtuosité liée au drame. Le récitatif plus proche du chant est accompagné par l’orchestre. Les livrets considérés comme trop complexes mettent en scène désormais seulement deux protagonistes, selon le modèle antique.